Másterclass de Carles Marsal sobre los usos y las técnicas del Mate Painting

Carles Marsal es artista visual.

Como experto en retoque de imágenes y Mate Painting ha creado mundos visuales e imágenes de gran fuerza para agencias y empresas como National Geographic, RBA, Mercedes-Benz o Vanity Fair. Su herramienta: el Photoshop.

Al inicio de la Masterclass, Carlos explicó los orígenes del Mate Painting en el cine. Pinturas foto-realistas de tonalidades «mate», que no brillaban, y que se pintaban sobre cristales. Gracias a esto y al uso de máscaras para dejar transparente ciertas partes de la pantalla, las imágenes rodadas se podían volver a grabar con una cámara pero a través del cristal y el Mate Painting, haciendo posible que los personajes parecen estar en otro lugar . Era un recurso artesanal que podía costar a los estudios entre 3 semanas o 1 mes de trabajo por pocos segundos de pantalla, pero que todavía era más barato que tener que construir los decorados.

Actualmente el Mate Painting se realiza de manera digital, con una combinación de retoque foto-realista de imágenes y modelado de elementos en 3D sobre todo para crear entornos, escenarios para la acción.

La manera de trabajar de Carles cuando aborda un proyecto nuevo es la siguiente:

Hacer un boceto rápido y sencillo para tener la idea de la composición y la dirección de la luz, lo que afectará al resto del proceso. Estructurar el trabajo en diferentes planos de profundidad facilita mucho el trabajo si es un proyecto para cine o TV para añadir efectos especiales en posproducción.

Una buena parte del trabajo (casi un 40%) es la búsqueda de recursos visuales. Su consejo es no buscar elementos individuales, si no por SITIOS. Elementos naturales del mismo paisaje casan mucho mejor al compartir la misma vegetación, tipo de roca e incluso luz.

Una de las primeras cosas a buscar es el cielo para que define muy bien la luz y los colores. Además no es igual una puesta de sol (con tonos más rojizos) que una salida (con tonos más azules).


Hecha la primera composición toca igualar los colores, y recursos como texturas de niebla pueden ayudar a difuminar la transición entre elementos de fuentes diferentes e integrarlos todos.

Después añadimos objetos en 3D, detalles, etc … Los objetos conocidos (personas, animales, vehículos) son un buen recurso para sonar la sensación de escala.

 

 

La luz es uno de los elementos que hacen destacar un trabajo a la hora de los acabados. Hay que huir de iluminaciones que allanan las imágenes y buscar siempre que den volumen. Ahora ya es cuestión de horas y dedicación. El gran consejo de Marcos:

NO DEBE SER PERFECTO. ¡DEBE SER CREIBLE!

Carlos muestra buena parte de su trabajo online. Tanto en carlesmarsal.com como galerías como Artstation o Behance, y recomienda mucho a todos los nuevos artistas que tengan siempre disponibles muestras de su trabajo. Hacer proyectos propios y mostrarlos siempre. A raíz de esto se habló de la autoría, de si tu imagen la puede usar alguien una vez al pones a Internet. Carles Marsal comentó que hace años que ya no firma sus obras ya que si alguien se quiere aprovechar eliminar la firma es fácil. Por eso él recomienda usar los metadatos de los ficheros y, como él hace, ocultar el nombre en elementos de la imagen.